Anaïs Boileau, troubler le regard

Bonjour, ça va très bien ! Je m’apprête à partir quelque temps en vacances en Grèce, je me réjouis.

Je suis originaire du Gard, dans le sud de la France, et j’ai grandi près de Nîmes. Au lycée, j’étais très intéressée par le journalisme et par la photographie, j’avais envie de faire quelque chose de créatif. J’ai eu la chance d’intégrer directement après mon bac l’ECAL (École cantonale d’art de Lausanne) et je suis partie étudier la photographie à Lausanne pendant quatre ans.

Je dirais qu’une photographe plasticienne s’approche davantage d’une création artistique que d’une photographie documentaire. La photographie est utilisée comme une matière, une base de création. Elle est ensuite retravaillée, recomposée. Elle n’est donc plus uniquement le résultat d’une observation, mais devient un espace de transformation dans lequel différents médiums peuvent être utilisés.

Je travaille notamment à partir d’images de mon environnement, du réel, sur lesquelles je viens intervenir. Que ce soit au moment de la prise de vue, en ajoutant des artefacts tels que des papiers miroirs, des feuilles de couleur ou des végétaux, ou en post-production, en intervenant directement sur le tirage photographique avec du pastel, de la peinture ou à l’aide d’outils de retouche numérique pour coloriser certaines parties de l’image. Ce qui m’intéresse, c’est de composer à partir du réel et de créer un trouble entre ce qui reste identifiable et figuratif et ce qui va créer de la confusion dans le regard. Ce qui m’intéresse, c’est cette hésitation du regard, ce moment où l’on reconnaît quelque chose sans parvenir à déterminer exactement ce que l’on regarde. Les miroirs, les matières, la lumière et les différentes interventions viennent modifier le réel sans complètement le faire disparaître. L’ajout de pastel ou de peinture directement sur le tirage introduit une dimension plus tactile dans l’image, tout en conservant son origine photographique. Je cherche ainsi à créer des images qui restent liées au réel, tout en ouvrant un espace de doute et d’imagination.

Tout d’abord, je crois que ce projet a joué un rôle important dans la prise de conscience des thèmes qui me traversent, de la récurrence du lien et de l’intérêt pour le Sud de la France, pour mon territoire d’enfance. Puis, ça m’a permis de poser les bases d’une écriture photographique où la lumière sculpte et où la réverbération du soleil devient un motif, un lien sensible entre les corps, les objets et les surfaces. C’est aussi le projet qui m’a permis d’avoir une certaine visibilité et reconnaissance. À l’époque, le projet avait été exposé dans de nombreux festivals photo. Ça m’a permis de lancer ma carrière d’artiste photographe.

Aujourd’hui, avec le projet Soleil Brûlant, mon travail a évolué vers des images plus denses, où couches, matières et médiums se superposent pour introduire une nouvelle porosité dans l’image photographique. Mes œuvres convoquent des fragments et construisent un espace sensible, entre figuration et abstraction. J’avais envie de me rapprocher d’une pratique plus picturale, de pouvoir travailler la couleur comme un sujet à part entière. J’ai commencé pendant le confinement à faire des peintures que je photographiais ensuite dans mon jardin, en ajoutant des ombres à la prise de vue. J’aimais cette épaisseur que venaient créer la lumière et les ombres. C’est vraiment ce temps long des confinements qui m’a permis d’expérimenter.

Oui, la photographie est toujours le point de départ, elle fait partie intégrante de ma pratique et du processus créatif. J’aime ce lien au réel, même dans des images très abstraites. La matière, la porosité des surfaces, les détails qui ramènent au réel sont des éléments importants. Je travaille à partir de plantes, de tissus, d’objets, de miroirs ou encore de peintures que je photographie, puis sur lesquels je peux intervenir à nouveau. Je suis constamment inspirée par ce qui m’entoure, beaucoup par la nature, les végétaux, des sortes de complexités graphiques, d’assemblages qui attirent mon œil. J’aime partir de choses très simples et quotidiennes pour créer des images qui deviennent plus ambiguës, entre figuration et abstraction. Dans le projet Soleil Brûlant, j’explore la lumière, la couleur et la forme pour recréer les paysages mentaux de mon enfance dans le sud de la France, une terre solaire aux couleurs vives. Ce travail puise dans l’émerveillement universel propre à l’enfance, cette manière intuitive et sensible de percevoir le monde qui nous habite tous.

Oui, en effet, il s’agit d’une approche très différente. J’exerce différents types de commandes. J’ai des projets qui se rapprochent beaucoup de ma pratique artistique, comme cette carte blanche réalisée pour le journal Libération sur un supplément Alimentation, où j’ai pu créer des images très colorées, complexes et graphiques avec ces ajouts de reflets et de lumières vives. Ou encore pour les photos réalisées pour le livre Bouillons Bienfaisants de Jennifer Hart Smith. Et parfois, je réalise des commandes plus corporate pour des magazines, pour lesquels je vais photographier des hôtels, réaliser des photos de plats pour des livres de cuisine ou des portraits de presse plus posés. Ce qui lie l’ensemble de ma pratique de photographe de commande et mon travail artistique, c’est le rapport à la couleur et à la lumière. J’essaie de conserver cette vivacité dans mes images et cette luminosité. Alterner entre un travail de commande et son travail artistique n’est pas toujours évident, mais c’est souvent beaucoup de découvertes, de curiosité et de rencontres aussi.

Je n’ai pas de rôle particulier. La plateforme Futures regroupe de nombreux acteurs et actrices du milieu de la photographie européenne. J’ai été sélectionnée par le Centre photographique Rouen Normandie, avec lequel je travaille régulièrement depuis de nombreuses années, notamment sur des ateliers de pratique artistique. L’idée, c’est de mettre en lien tous les centres photo européens et les photographes, de créer une sorte de communauté et un réseau. C’est très riche, et ils proposent plusieurs fois dans l’année des rendez-vous individuels pour discuter avec des acteurs de la photo de nos projets en cours. Je trouve que ça permet d’étendre son réseau et d’ouvrir de nouvelles opportunités.

Tout à fait, toutes mes œuvres sont à la vente sous forme de tirages photo de différents formats, encadrés ou non. Je ne suis pas représentée par une galerie, mais c’est quelque chose que j’aimerais beaucoup développer. Ce n’est pas évident de gérer ça seule, en plus du reste. Il est possible de m’écrire directement par e-mail ou sur les réseaux sociaux si c’est quelque chose qui vous intéresse.

Oui ! J’y ai exposé le dernier volet de mon projet Soleil Brûlant. C’était une belle opportunité de pouvoir exposer à Marseille lors de l’édition 2026. Le jury était très prestigieux, et ça permet également de rencontrer de nouveaux artistes photographes. C’est toujours très riche d’échanger sur nos pratiques respectives.

Non, ou très peu. Je m’en sers parfois pour de la retouche photo, pour enlever un élément dans l’arrière-plan d’une photo, mais ça ne va pas plus loin. Je trouverais intéressant de savoir manipuler davantage cet outil… bien que cela me pose de grandes questions sur l’acte de créer. La plupart du temps, J’éprouve beaucoup plus de satisfaction à travailler dehors, en extérieur, dans la nature si possible, et à passer le moins de temps possible devant un écran. Alors, j’ai des doutes sur le fait que cela soit une plus-value à ma pratique artistique…

Je suis en train de travailler sur le livre du projet Soleil Brûlant. J’expose le projet à partir du mois de mars à L’Imagerie à Lannion. Et je travaille sur un projet avec Clara Levieuge, une amie céramiste, qui porte sur la mémoire et la transmission à partir d’objets hérités, et notamment des mouchoirs en tissu qui appartenaient à ma grand-mère. Nous allons exposer un premier jet de ce projet dans son atelier de céramique à Saint-Hippolyte-du-Fort courant novembre. Et j’ai tout un tas d’images qui dorment et qui ne demandent qu’à être exploitées !