Juliette Rougier, la matière en dialogue

Bonjour Laurent, très bien, merci. Ravie de partager mon travail et mon parcours avec vous aujourd’hui.

Après un bac en arts appliqués, j’ai suivi une formation de Design Global (Architecture intérieure, Design produit, Graphisme) à l’École Bleue à Paris. J’ai ensuite intégré un master aux Beaux-Arts de Marseille dont je suis sortie diplômée en 2024. En parallèle de mes études, j’ai souvent répondu à des appels à concours, ce qui m’a permis d’accéder tôt à l’édition de certains de mes projets chez des éditeurs tels que Ligne Roset et Cinna. En 2022, j’ai exposé mes recherches sur la canne de Provence au Musée d’Histoire de la ville de Marseille, une occasion qui m’a permis de faire la rencontre de nombreux.ses artisan.es et créateur.ices à Marseille. En 2024, j’ai également eu la chance d’être finaliste au concours Design Parade de la Villa Noailles avec mon projet de diplôme, récompensé par le Prix du Public. Aujourd’hui, je crée des objets et du mobilier qui éveillent avant tout mes propres sens, et je l’espère ceux des autres au passage : notre sens du détail, du toucher, de notre lien à la matière qui nous entoure, que d’autres façonnent ou que l’on apprend à façonner nous-même, empreints d’histoires, d’un lieu, d’un paysage, de savoir-faire artisanaux.

De par mon parcours, je suis attachée à une approche transversale et pluridisciplinaire du design. J’aime étudier la matière et la façonner à différentes échelles, et la multiplicité des médiums, très enrichissante pour moi, est devenue intrinsèque à ma pratique. Je m’amuse à penser un objet comme une sculpture, un meuble comme un tableau, une scénographie comme une expérience sensorielle. Ma sensibilité pour la matière se traduit au travers de mes créations quelle qu’en soit l’échelle.

Je considère la pratique du métier de designer comme une rencontre puis une exploration, avec un lieu, un paysage, un matériau. Le projet naît en effet de la manipulation de la matière, les premiers gestes sont toujours induits par le matériau lui-même. Dans mon projet Alto par exemple, les motifs sont nés par l’expérimentation et la manipulation des anches, la musicalité du graphisme apparaît d’elle-même. La forme finale de l’objet vient à la fin, en partie induite par les contraintes physiques et spécificités de la matière, mais je me laisse aussi la liberté de m’amuser dans le dessin, peu importe le support. C’est en étant au plus proche de la fabrication, que je retrouve ce lien, ce dialogue avec la matière qui me permet de découvrir des savoir-faire existants puis des gestes nouveaux pour en proposer de nouvelles applications.

Lorsque j’ai emménagé à Marseille, j’ai découvert la canne de Provence (Arundo donax), plante endémique du bassin méditerranéen. Elle est traditionnellement utilisée à différentes échelles dans plusieurs pays pour fabriquer des structures architecturales (ancien armement pour le béton), des pare-soleil (canisses), ainsi que des objets du quotidien tels que des cannes et des paniers. En raison de sa légèreté et de ses fibres, c’est également le matériau de prédilection pour la fabrication des anches pour instruments à vent. Pour ma part, c’est en lien avec ce savoir-faire spécifique que j’ai choisi de développer ma recherche. Par ailleurs, c’est une matière vivante, qui évolue avec le temps et les intempéries, et selon la forme selon laquelle on choisit de la travailler (tubulaire, éclisse, fragments, poudre…), ses capacités structurelles et esthétiques sont très variées. Aujourd’hui je récupère les rebuts issus de la manufacture MARCA à Ollioules, productrices d’anches depuis 1957. Je détourne et magnifie les anches entaillées ou brunies par le soleil en convoquant les codes de l’artisanat d’art. Mon projet de fin d’études Alto est l’exploration d’une nouvelle forme de marqueterie à partir de ces rebuts et je continue depuis à le développer à différentes échelles.

Je suis particulièrement touchée par les meubles et les objets qui gardent les traces du travail de la main et de l’usure du temps. J’ai toujours eu plus d’attrait pour une vieille commode dont la peinture s’écaille dénichée en brocante, avec des vis désaccordées, que pour du neuf, même très beau. On ne dirait pas toujours quand on observe le produit fini, mais j’aime travailler la matière que je récupère en la façonnant presque le moins possible. C’est dans le rapport à son caractère naturel, sa rugosité, son irrégularité, ses défauts, que je puise mon inspiration. Je travaille principalement à partir de rebuts, en les réinsérant dans un processus créatif, j’expérimente, j’assemble de manière instinctive, j’essaye des choses nouvelles… Ce positionnement induit aussi un rapport différent au produit et à sa production en série puisqu’elle évolue en fonction de la matière récupérée. Toutes mes réalisations sont uniques en ce sens, et j’aime laisser visibles les assemblages, les fissures, les taches. C’est une façon de travailler avec l’imprévu, en collaboration directe avec le matériau lui-même.

Oui, je travaille presque systématiquement en collaboration directe avec des artisan.es lorsqu’il s’agit de mobilier : je dessine, on peaufine ensemble des détails techniques puis on fabrique ensemble, moi la partie marquetée, elleux la partie ébénisterie dans la plupart des cas. Cela me permet à la fois de découvrir leur savoir-faire mais aussi de lier nos univers créatifs, de concevoir les projets davantage dans une relation de dialogue pour y ajouter des détails qu’elleux souhaiteraient ajouter à l’objet par exemple. Mais j’avoue aussi qu’aujourd’hui je tends à réaliser de plus en plus mes créations moi-même, ce qui est déjà le cas dans mes tableaux, petits objets et scénographies, et me forme peu à peu au travail d’ébénisterie dans ce but. C’est impossible pour moi de ne pas prendre part à la fabrication et j’aimerais développer davantage ma casquette d’artisane.

Alto est une collection de mobilier et de recherches de motifs réalisés à partir d’anches d’instruments à vent défectueuses. Chaque jour, les manufactures mettent au rebut des centaines d’anches comportant des défauts de fabrication ou des taches. Je les détourne en convoquant les codes de l’artisanat d’art et explore une nouvelle forme de marqueterie. En 2024, mon projet Alto, finaliste au concours Design Parade de la Villa Noailles, s’est vu récompensé du Prix du Public. En 2025, il a été sélectionné pour les AD & Range Rover Awards et a remporté le prix Endless Reinvention ainsi que le prix Spécial du jury. Plus que des récompenses, ces titres de reconnaissance représentent pour moi un soutien fort et m’encouragent à poursuivre dans cette voie et à continuer d’expérimenter avec les matériaux et les techniques.

Initialement la collection Alto comptait trois meubles : un cabinet haut, une étagère murale et un valet. Aujourd’hui, j’ai décliné cette technique à d’autres supports et formats : des petites boîtes à bijoux, une boîte à cigares, des panneaux décoratifs, des tableaux, des miroirs… Je projette de réaliser bientôt des têtes de lit et un paravent dans la même esthétique. Qui sait ce qui viendra ensuite ?

Pour cette scénographie, j’ai choisi d’aller explorer d’autres aspects de ce matériau, cette fois non plus en morceaux mais dans son entièreté. C’était l’occasion de changer d’échelle, et de travailler la canne en volume en m’inspirant des techniques traditionnelles japonaises de façonnage du bambou et celles de la vannerie d’osier. Une fois effeuillées, je prépare des éclisses au couteau (coupes dans le sens de la fibre) afin d’obtenir de longues tiges, les plus fines possible. En les humidifiant et sous l’effet de la chaleur du feu, je les plie selon mes envies afin de réaliser ces formes graphiques et délicates, tout en équilibre dans leurs courbes. Mes structures suspendues invitent les visiteurs à lever les yeux, observer l’espace qui les entoure, dans sa hauteur. J’ai adoré avoir cette occasion de travailler dans l’espace, j’espère le faire de nouveau à l’avenir.

Un projet global qui me permettrait de réaliser un intérieur presque de A à Z : l’architecture, le mobilier, les œuvres, les objets. Créer comme un grand cabinet de curiosité habitable, m’amuser en travaillant à différentes échelles en même temps, de l’espace à l’infime détail en passant par le geste sculptural juste pour le plaisir de l’œil et de la main.

J’ai récemment exposé mes derniers tableaux avec la Galerie ORAE, ce qui m’a permis de donner à voir un nouvel aspect de mon travail, plus artistique. Sinon, je mets un point d’honneur à lancer de nouvelles collaborations chaque année : dernièrement j’ai commencé un travail avec Reed Material, toute nouvelle entreprise qui développe des panneaux d’agglomérés en 100 % canne de Provence. Sont également en développement une collection d’objets et de mobilier en bois et cuir avec l’artiste-textile Sandrina Rocha ; une collaboration avec l’artisane coutelière Julie Beudin (Omma Coutellerie) ainsi qu’un gros travail de marqueterie pour une maison de luxe dont je ne peux pas encore parler mais qui sera visible à partir de début 2027.